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miércoles, 13 de agosto de 2025

LA FRAGATA VENCIÓ AL ACORAZADO

 

Introducción

Las líneas clásicas de los navíos de guerra del periodo que va desde la Primera a la Segunda Guerra Mundial fueron consecuencia del innovador battleship HMS Dreadnought puesto en servicio en 1906. En este diseño del acorazado se buscó maximizar la protección y potencia de fuego en un barco, con la mayor velocidad posible; siendo su características distintivas una artillería principal de un único gran calibre con una disposición de los cañones(1) en torretas alineadas al eje del buque o línea de crujía, con uno o dos torretas  en popa  e igualmente en proa. Este modelo será copiado para el resto de los buques avivando la carrera armamentística, principalmente entre el  Reino Unido y el Imperio Alemán, pero con repercusión mundial, convirtiendo a los nuevos acorazados en el símbolo del poderío naval.

Pero los acorazados fueron demasiado valiosos e incapaces para muchos de los cometidos que  requería el almirantazgo, para estos fines las armadas fueron utilizando los versátiles cruceros o los ligeros destructores. Después de la IIGM,  con el desarrollo de la aviación primero y la aparición del misil después, quedan fuero de juego los grandes navíos y se prefieren buques pequeños y móviles.

USS Texas. El más antiguo de los dreadnought de EE. UU. que ha sobrevivido, el USS Texas, entró en servicio en 1914, y es en la actualidad un buque museo (Wikimedia Commons)


Auge y acaso de los acorazados modernos

El impacto del HMS Dreadnought fue total, ya que a sus características propias de pegada y protección se le unía una velocidad que superaba al de algunos de los cruceros de la época. Esto era posible por el empleo de turbinas de vapor Parson que antes ya se habían implementado en barcos rápidos como los destructores,  pues proporcionaban alta velocidad con una planta motriz de tamaño más reducida que si se emplease el motor alternativo.

Todo este proceso era consecuencia del rápido desarrollo tecnológico. Así, hasta la entrada del siglo XX, el arma decisiva fue el cañón de calibre medio, usualmente de 152 mm (6 pulgadas), capaz de realizar fuego rápido a una distancia relativamente corta, ya que la artillería naval de grueso calibre era demasiado imprecisa a largas distancias y presentaba una baja cadencia de disparo. Pero los almirantes británicos y estadounidenses preveían que los futuros acorazados entrasen en combate a mayores distancias, a medida que el alcance de los torpedos se fuese incrementando. Durante la  batalla de Tsushima en 1905 quedó confirmado  el  incremento del alcance efectivo de la artillería pesada, de tal forma que en todas las armadas, el calibre se incrementó y el número de cañones en cada barco tendió a reducirse para compensar. El menor número de cañones resolvió la cuestión de la distribución y las torretas en la línea de crujía se convirtieron en la norma, colocando a veces los cañones de forma escalonada para reducir el largo del casco, especialmente a partir de las nuevas clases de acorazados denominados superdreadnoughts.

La transición al armamento monocalibre fue adoptada debido a las ventajas que el armamento pesado ofrecía tanto en potencia como en control de fuego. Los nuevos cañones de 305 mm eran capaces de provocar más daños y tenían mayor alcance que las piezas de 254 o 234 mm. Otras ventajas  que ofrecía un armamento pesado uniforme era la simplicidad logística y una racionalización de la dirección de tiro, sólo sería necesario realizar una única serie de cálculos para el ajuste del alcance del disparo. A largas distancias, las piezas eran apuntadas observando las columnas de agua que levantaban los proyectiles al impactar contra el mar. En el caso de abrir fuego con piezas de varios calibres, no se podía discriminar el origen del disparo.

Los primeros dreadnought tendían a portar unos cañones ligeros como armamento secundario destinados a protegerse de las lanchas torpederas  que solían atacar de forma separada de las acciones de cualquier flota. Por lo tanto, no había necesidad de blindar el armamento secundario ni de proteger a la tripulación de los fogonazos producidos por el armamento principal. Pero en unos pocos años, la mayor amenaza provenía de los destructores, más difíciles de destruir que las lanchas torpederas y que requerían también del uso de la artillería principal. Esto implicaba proteger los cañones dentro de torretas y aumentar el calibre, pero el armamento secundario de los dreadnought fue, en general, insatisfactorio. La única forma totalmente segura de proteger un dreadnought de destructores o de ataques de torpederos, era escoltarlo con su propio escuadrón de destructores o cruceros ligeros. Tras la Primera Guerra Mundial, el armamento secundario tendió a ser montado en torretas en la cubierta superior y alrededor de la superestructura dispuestos en su mayoría como parte del sistema de protección antiaérea, incrementándose la adopción de cañones de propósito doble y elevados ángulos de tiro.

La consecuencia inevitable de la demanda de velocidades, potencia de fuego y protección, significó que el desplazamiento y coste de los buques tendiese a incrementarse. El Tratado naval de Washington de 1922 limitó a 35 000 toneladas el desplazamiento de los buques capitales. En los años siguientes se encargó la fabricación de numerosos barcos que se ajustaban a los límites del tratado. Sin embargo, la decisión de Japón de abandonar el tratado en la década de 1930 y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial hicieron irrelevantes las limitaciones.

Estos grandes cañones se montarían, además de en los acorazados,  en los cruceros de batalla. Estos barcos eran incluso de mayor tamaño, buscaban una ventaja en su mayor velocidad a costa de reducir algo el blindaje. Como el tratado de Washington(2), que limitaba el numero de grandes buques, igualaba ambos, algunos cruceros de batalla fueron reconvertidos en portaviones.

Pero las flotas de estos colosos fue más un factor disuasorio que una fuerza de acción, dado el riesgo que podría suponer exponerlos a su irreparable pérdida. Solamente cuando se creyó que era posible la batalla decisiva como la victoria japonesa en Tsushima, que erróneamente quisieron replicar los japoneses(3). No parecía buena estrategia incluso asentando un golpe mayor a la flota enemiga, como en la batalla de Jutlandía en la IGM, Alemania se quedó sin la carta ganadora para futuros enfrentamientos y salvo los submarinos encargados de atacar las rutas comerciales, la flota Alemana permaneció en puerto hasta el final de la guerra.

Detrás del concepto del acorazado se encontraba la búsqueda de inmunidad de la superestructura. Para ello se colocaba una gruesa coraza lateral además de un cinturón antitorpedo. Con el mayor alcance de las baterías el ángulo de caída de los proyectiles  se elevó  pudiendo caer detrás de la placa exterior y golpear directamente las estructuras internas, pero no se considero determinante, no obstante, nunca estuvieron protegidos para resistir la penetración de bombas de aviación(4).

Se suele señalar como signo del ocaso del acorazado la pérdida del moderno HMS Prince of Whales en las costas de Malasia por la aviación japonesa sólo dos días después del ataque a Pearl Harbour. Curiosamente este navío había acompañado al enorme crucero de batalla HMS Hood el día en el que el Bismark literalmente lo reventó con un disparo de estos proyectiles de caída parabólica en la Batalla del Estrecho de Dinamarca el 24 de mayo de 1941. La venganza no se hizo esperar gracias a la superioridad naval británica, incluida aviación, siendo el acorado alemán cazado y hundido solamente 3 días después.

Años después llegará el final al Yamato y Mushashi, los acorazado más pesados y fuertemente armados jamás construidos(5) de 72.800 toneladas de desplazamiento a plena carga y nueve cañones de 460 mm.

El final del  gigante Yamato, el 7 de abril de 1945, también fue obra de la aviación en un corto espacio de tiempo que va desde el primer ataque a las 12:37 hasta su explosión a las 14:23, el Yamato había recibido el impacto de once torpedos y ocho bombas. Mientras que su hermano de clase, el Mushashi, recibió aún mayor castigo con el impacto de diecisiete bombas y diecinueve torpedos durante la batalla del Golfo de Leyte el 24 de octubre de 1944.

El hundimiento del SMS Szent István, después de recibir los torpedos de lanchas torpederas italianas. ( Bundesarchiv, Bild 134-C2280 / CC-BY-SA 3.0)


 Los cruceros

El término crucero aparece entorno a 1870 para referirse a un tipo de buque con escaso blindaje, pero rápido y bien armado, capaz de detener en caso de guerra el tráfico mercante enemigo o de proteger las rutas marinas coloniales propias en ultramar en caso de necesidad.

Dejando de lado los cruceros de batalla, en muchos aspectos similares a los acorazados, los puntos fuertes de estos buques será sus altas capacidades en maniobrabilidad, velocidad y cadencia de disparo;  es por tanto el navío con las características más amplias y versátiles, siendo en las flotas complementarios de los acorazados o portaviones al defenderlos ante destructores y cruceros enemigos.

Las líneas elegantes  de los cruceros ligeros de la II GM son el clásico de unos barcos con una disposición de los cañones en torretas ubicadas en la línea de crujía y superpuestos, de forma similar a los acorazados pero de calibres inferiores.  Las 10.000 t de desplazamiento y 155 mm, se fijó como referencia máxima para los cruceros ligeros impuesto por el Tratado de Washington. Por ejemplo la clase Fiji británica con 4 monturas triples de 6 pulgadas contando con dos lanzadores triples de torpedos. Una de las funciones de estos barcos fue la de servir de líder de flotillas de destructores.

Mientras que en caso de los acorazados su batería principal evolucionaba solamente para aumentar su capacidad de penetración en el blindaje del enemigo. En los cruceros se jugó  con las diferentes posibilidades, podía optarse por un gran calibre y cañones largos para incrementar la velocidad en boca, que ofrecían más alcance y capacidad de penetración. Pero las pesadas torretas de los cañones de gran calibre, tenían un giro muy lento y a largas distancias disparaban en tiro parabólico (apuntando con mayores ángulos), volviéndose inútiles contra objetivos cercanos. Las mejoras hicieron que los cañones más ligeros pudieran moverse rápidamente hacia su objetivo y disparar un verdadero chorro de proyectiles cuyo trazado facilitaba la puntería sin necesidad de cálculos o uso de radar.

Los cruceros pesados podían tener cañones mayores (normalmente de 8 pulgadas) pensados para destruir a otros cruceros y sirvieron de escolta en el Pacífico a los portaviones, dado que los acorazados eran demasiado lentos para acompañar a estos barcos capitales en este escenario. También hubo cruceros grandes que optaron por cañones de solamente 6 pulgadas, en torretas dobles o triples, buscando ser más eficaces contra  objetivos rápidos y cercanos pero no blindados, como los destructores.

Cañones aun más ligeros podían, usando ángulos de tiro elevados, servir como antiaéreos. Por eso una de las grandes misiones de los cruceros durante la IIGM fue la de servir como poderosa plataforma de armas antiaéreas. En particular  con cañones de doble propósito como la clase Dido, armados con cañones de 133 mm en cuatro o cinco torretas dobles. La Armada de Estados Unidos utilizó cañones de 127 mm en sus cruceros antiaéreos de la clase Atlanta, hasta con seis montajes dobles en torres cerradas (de tipo de destructor).

 A finales del siglo XX, la obsolescencia del acorazado dejó al crucero como el barco de combate de superficie más grande y poderoso (los  portaaviones no se consideran combatientes de superficie, ya que su capacidad de ataque proviene de sus alas aéreas embarcadas en lugar de las armas a bordo).  Pero el papel del crucero estaba en revisión cuando los límites con los nuevos destructores empezaron a desdibujarse gracias a la mejora de las torretas con cañones de alta cadencia de disparo y aparece como arma principal el misil. Es así como desparecen los grandes buques a favor de los pequeños destructores, el tema que desarrollaremos a continuación.

 

El crucero italiano Marco Polo en una postal de antes de 1917 (Wikimedia Commons) 

El destructor

Tal como comentamos al inicio, la aparición del torpedo se convierte en la principal amenaza para los grandes buques que usaban como primer vector las pequeñas lanchas torpederas(6) y luego el destructor, mientras que los submarinos siempre actuaron preferentemente sobre el tráfico mercantes que no sobre buques de la armada. Sin embargo, en su origen el destructor no fue un caza navíos, tampoco fue su principal rol durante las dos guerras mundiales, aprovechado como explorador por su rapidez y escasa visibilidad gracias a su baja silueta, enfocados a un papel de escolta en las flotas, convoyes o grupos de batalla y defenderlos contra lanchas torpederas y submarinos.

La motivación para su desarrollo era la de disponer de un contratorpedero capaz de poder acompañar a las escuadras y defenderlas de los torpederos enemigos, pues esta labor la realizaban pequeños barcos similares a los torpederos que no podían acompañar a las flotas en alta mar. Además de la velocidad, entre las características principales de estos nuevos barcos debía estar el tener una gran autonomía y capacidad de navegación oceánica, ya que deberían acompañar en sus largos viajes a los cruceros y acorazados a los que protegerían. Desde ese momento, hasta la Primera Guerra Mundial, su papel principal era proteger a la flota de los torpederos, así como realizar ataques(7)  con torpedos contra los acorazados enemigos. El papel de escoltar a los convoyes enemigos aún estaba lejos en el futuro.


Fernando Villamil (  (Wikimedia Commons) 

)


La idea original le corresponde al marino español Fernando Villaamil(8)  que solicitó proyectos a varios astilleros británicos y finalmente, en 1885, eligió el presentado por el astillero de James & George Thompson de Clydebank (Escocia). Bautizado como “El Destructor” entró en servicio en 1887 y tuvo influencia en el concepto y diseño de los destructores (destroyer en inglés) posteriores de la Marina Real británica. Siendo  considerado mayoritariamente el primer destructor de buques torpederos construido nunca, fue puesto en grada en 1886, con un desplazamiento de 380 t, equipado con un cañón (de construcción nacional) Hontoria de 90 mm, cuatro cañones de 57 mm, 2 cañones de 37 mm y 3 tubos lanzatorpedos.


El Destructor. Primer destructor del mundo (Wikimedia Commons) 


En 1899 la Marina Real británica ordenó la construcción de prototipos de destructores dotados de turbinas para su propulsión: el HMS Viper y el HMS Cobra. Estos fueron los primeros buques de guerra dotados de turbinas; para 1910, las turbinas habían sido ampliamente usadas por todas las armadas para sus buques más rápidos. Los británicos experimentaron con la propulsión alimentada por fueloil con la clase Tribal de 1905.

Los destructores fueron adoptando un modelo de casco largo y estrecho, con un calado relativamente bajo. La proa estaba elevada, primero con una cubierta bajo una especie de caparazón, luego con un castillo donde se encontraban unos  alojamientos de la tripulación. En estos inicios, los destructores ofrecían una muy baja calidad de vida a bordo, carecería de comodidad incluso para los primeros oficiales que carecían de la intimidad de camarote separado. Tras el espacio de la tripulación (1/4 a 1/3 de la longitud del casco), se encontraban las salas de máquinas, compuestas por calderas y turbinas. Sobre la cubierta se montaban a proa uno o más cañones de disparo rápido delante del puente; se añadían otros tanto a mitad del buque, como a popa. Los tubos lanzatorpedos se montaban en montajes múltiples a mitad del barco en las bandas.

Durante la Guerra Ruso-Japonesa, en 1904, se produce la primera victoria significativa de los destructores en combate, al dañar con sus torpedos a dos acorazados rusos en la batalla de Port Arthur.

Mientras que los enfrentamientos entre buques capitales fueron escasos durante la Primera Guerra Mundial, los destructores participaron continuamente en acciones de ataque y patrulla durante la contienda. El primer disparo de la guerra en el mar fue efectuado el 5 de agosto de 1915 por el destructor de la segunda flotilla, HMS Lance, en un enfrentamiento contra el minador auxiliar Königin Luise. Pero la primera baja de un submarino alemán por un destructor, fue la del U-19, embestido por el HMS Badger el 29 de octubre de 1914. Aunque el U-19 solo fue dañado, al mes siguiente, el HMS Garry hundió el U-18. El primer hundimiento por cargas de profundidad, tuvo lugar el 4 de diciembre de 1916, cuando el UC-19​ fue hundido por el HMS Llewellyn.

Destructor de la clase Churruca Lepanto que participó en la Guerra Civil por el bando republicano  y  probablemente fue uno de sus torpedos el que hundió el crucero pesado Baleares.(Wikimedia Commons) 


La tendencia durante la Primera Guerra Mundial, fue la de construir destructores cada vez más grandes y con un armamento más pesado. En este sentido se reforzó el poder del armamento de torpedos, pues la experiencia  había demostrado que en algunos casos se había perdido la oportunidad de dañar a buques capitales después de gastar este poder en una sola salva. Los destructores británicos de las clases 'V' y 'W' del final de la guerra, comenzaron a montar  seis tubos lanzatorpedos en dos montajes triples en vez de los dos o cuatro tubos de modelos anteriores y almacenando sus recargas cerca de la superestructura, permitiendo con ello la recarga en 15 minutos.

Durante el periodo de entreguerras se avanzó en la construcción de destructores más grandes y rápidos, especialmente dentro de la rivalidad franco-italiana en el mediterráneo. Como respuesta a los veloces cruceros ligeros de la clase Condottieri, la armada francesa construía la clase Le Fantasque de 1935 que podía alcanzar la velocidad de 45 nudos (83,4 km/h),  con cinco cañones de 140 mm y nueve tubos lanzatorpedos. Por otro lado, la armada de los EEUU, da un salto cualitativo con la clase Farragut(9) de 1934, un barco más grande y con habitabilidad mejorada que le valió el apodo de "goldplaters".

Al comenzar la IIGM, los avances de la aviación y del arma submarina harán que los destructores estuvieran mal equipados para combatir a sus objetivos, las armas antisubmarinas habían cambiado poco, y el SONAR (conocido  también como ASDIC) no se usa masivamente ni mejorado apenas hasta poco antes de la IIGM. Para ello fueron incorporando armamento antiaéreo, radar y armamento ASW (erizo) adicionales a sus cañones ligeros, cargas de profundidad y torpedos.

HMS Velox  (Wikimedia Commons) 



En esa época, los destructores ya se habían convertido en grandes y caros buques multipropósito. Las necesidades harán que aparezcan nuevos tipos de buques mas baratos y lentos especializados en la lucha antisubmarina con un desplazamiento más similar al de los primeros destructores, que en general se llamarán fragatas(10) en todos los ejércitos, menos en EEUU que serán denominadas escoltas (destroyer escort).  Por otro  lado, la Royal Navy, ante la urgencia de hacer frente a la gran amenaza de los numerosos submarinos alemanes, para ahorrar tiempo de construcción y costes, creó las más económicas corbetas clase Flower basándose en el diseño de un ballenero, que cumplieron bien su misión de escoltas oceánicos hasta que fueron desplazadas por las mejor diseñadas fragatas de la clase River.

Actualmente la base de todas las armadas son potentes buques con la denominación de fragata o corbeta, pero son otra historia(11).  No deja  de ser curioso que aquellos buques de vela que dejaron la impronta en las antiguas grandes armadas  para asignar a dos rangos actuales principales como  son capitán de fragata o corbeta, quedaran fuera de contexto en la primera mitad del siglo XX hasta que estos nombres reaparecen en barcos modestos y ahora cumplen cometidos principales como fue en sus últimas versiones, justo  anteriores de la creación de los acorazados.

Podría decirse que la aparición del acorazado acabó con las fragatas justamente cuando estos buques de origen humilde eran importantes navíos de guerra. Renacerán de forma igualmente humilde cuando desaparece el acorazado para convertirse nuevamente en importantes navíos de guerra.

También podría decirse que el  nombre del navío (fragata y corveta) creo el rango, y ahora el nombre del rango (capitán de fragata o corveta) ha creado el nombre del navío.

 

Fragata moderna española Cristóbal Colón F-105. (Foto de Diego Quevedo Carmona (tomada  de Wikimedia Commons)  


NOTAS ACLARATORIAS

 

1.-  El término dreanougth se usa para definir los barcos similares al original HMS Dreanougth que contaba con 5 torretas dobles, una a proa y dos en popa siguiendo el eje central del barco, más dos en la alas junto a la superestructura. La clase posterior denominados Superdreadnoughts disponían todas las torretas en la línea de crujía del barco, superponiendo algunas, pues así las tensiones estructurales eran relativamente bajas. Esta disposición permitía además que toda la batería principal disparase hacia un costado del barco, aunque no todas lo pudiesen hacer en la dirección de la marcha del buque. Esto también implicaba que el casco fuese más largo incrementanto el desplazamiento por el peso del blindaje, además de que un número grande torretas de cañones interferían con la distribución de las máquinas, razón por el que el HMS Agincourt, que montaba un número récord de 14 cañones de doce pulgadas, no se lo consideró un éxito.

 

Plano del HMS Dreadnought, puesto en servicio en 1906, publicado en el Jane's Fighting Ships. Mostrando la distribución del armamento en los primeros dreadnoughts ingleses. La batería principal se dispone en torretas gemelas, con dos en las «alas»; la batería secundaria, más ligera, se distribuyó alrededor de la superestructura. ( De Wikipedia  Commons)

 

2.- El número de acorazados (battleships) o cruceros de batalla (battlecruiser) quedaba reducido a 20 para el RU, 18 para EEUU y 10 para las otras potencias vencedoras de la IGM (Francia, Italia y Japón).

 

3.-  Estratégicamente, se supone que el ataque a Pearl Harbour vendría a provocar una respuesta americana para enfrentarse a una batalla definitiva. Recordemos que el éxito de la batalla de Tsushima es consecuencia de la última respuesta rusa. Pero Pearl Harbor no es un ataque tan debilitante a la fuerza de la USS NAVY  en el Pacífico, no se dañó a uno solo de los portaviones (buques capitales en el conflicto) ni se inutilizaron las instalaciones navales de Hawai.  En todo caso, era ingenuo que los americanos entraran en este juego cuando todo induce a pensar que estaban preparándose para el conflicto desde hacía tiempo.

 

4.- Las bombas colocadas con precisión podían hacer mucho daño en cualquier buque. El as “stuka” Hans-Ulrich Rudel consiguió destruir un crucero ruso con una sola bomba, como si fuese Skywalker contra la Estrella de la Muerte,  la introdujo en la sala de máquinas a través del hueco de una de las chimeneas.

 

5.- EEUU planteó la construcción de una clase Montana equivalente a la clase Yamato, pero sus quillas nunca fueron puestas en gradas; los cuatro acorazados de la clase Iowa completados fueron los últimos en ser puestos en servicio aunque con cañones de  16 pulgadas (406,4 mm).

 

6.- Buques torpederos hundieron el acorazado HMS Goliath en 1915, el austro-húngaro Wien en 1917 y el Szent Istvan en 1918.

 

7.- Los destructores se agrupaban en grupos de combates encabezados por un crucero ligero o un destructor líder, denominado en inglés  “flotilla lider” (siendo el término flotilla del español pequeña flota de barcos).  Algunos destructores hasta finales de los 30 se construyeron para este rol, debiendo disponer de espacio suficiente para el capitán de la flota y todo su equipo. Los norteamericanos que usaban símbolos de clasificación para el casco, usaban para el destructor normal las siglas DD; DL para los grandes destructores “flotilla lider”.

 

7.- Murió heroicamente en 1998, en Santiago de Cuba, combatiendo a borde del “Furor”, uno de los buques que había contribuido a diseñar, cuando estaba al mando de la escuadrilla de destructores de la escuadra de Cervera. 

 

8.- Son ya 5 las clases con este nombre, destructores todas menos la primera (el torpedero USS TB-11). El nombre es en honor al almirante Farragut, hijo del militar y marino español Jorge Farragut Mesquida que combatió contra el imperio británico durante la Guerra de Indepencia de los Estados Unidos adquiriendo la nacionalidad estadounidense. Cuando acabó la guerra, y gracias a sus méritos, se retiró del ejército de los Estados Unidos con el grado de comandante mayor.

 

9.- El término de destructor de escolta (escort destroyer) alude a potentes detructores de flota,  puede ser confundido con destroyer escort en ingles, que hace referencia a buques escoltas de mercantes particularmente de la IIGM,  de menor tamaño pero de mejores cualidades marineras que las pequeñas corbetas. Tenían capacidades antisubmarinas y eran lentos con motores diesel (los mercantes no marchaban a más de 10- 12 nudos), a veces podían portar torpedos. Durante la IIGM los EEUU siguieron denominando como tales a buques rápidos similares a las llamadas fragatas de otros países, término no usado en la armada de los EEUU hasta la reclasificación de 1975 para normalizarla a la OTAN. Así se pasó de los símbolos de clasificación de casco DE o DEG, a FF o FFG.

 

10.-  Según Agustín Ramón Rodríguez González, coautor con Juan Luis Coello Lillo de La Fragata en la Armada Española. 500 años de Historia. Atribuye la invención de este buque de guerra clásico a los trabajos que comenzó  Bazán “el viejo” y le  siguieron sus hijos, el gran Don Álvaro de Bazán “el mozo”, por no decir “el grande” y de su hermano Don Alonso, para resolver el  problema de proteger a las naos en las grandes travesías oceánicas frente a los buques más pequeños y ágiles de los corsarios. Para este cometido no podía usarse como base la Nao, un barco robusto pero carente de agilidad, tampoco la galera que era el barco de guerra ideal en el mediterráneo pero no servía para el oceano. La solución se encontraba  en buques más pequeños, y así fueron naciendo los “galeoncetes”, “galizabras” (tomando como base a unos pesqueros llamados zabras”) o finalmente, las “fragatas”, por analogía con las embarcaciones menores que acompañaban a las galeras.

 

Por tanto el nombre es anterior y parece derivar, según el autor, de la palabra original  griega, “afracta” o “sin cubierta”, referida a las más pequeñas embarcaciones de la familia de la galera, con apenas una docena de remos por banda, una treintena de marineros (que accionaban los remos pues en ellas no había forzados) y otros tantos soldados si iban armadas en guerra. De las que unas cuarentena de ellas luchó en Lepanto.

 

 Será en los astilleros del Flandes de la corona española donde se acabe perfilando el buque que será copiado en el siglo XVII, por Holanda, Francia y finalmente Inglaterra. Tomando en muchos caso el nombre.

 

No está claro el origen de la corbeta pero parece su desarrollo es parejo a la fragata que fue creciendo en tamaño, siendo la corbeta de tamaño inferior.

 

En todo caso la impronta de los nombres de estos dos barcos se mantendrá en muchas armadas como los rangos de capitán de corveta y capitán de fragata actuales.

 

Ejemplos en países OTAN:

 Bélgica (Flamenco ):              Korvetkapitein, Fregatkapitein

 Francia y Bélgica (francés): Capitaine de corvette, Capitaine de frégate

 Italia:                                      Capitano di corvetta Capitano di fregata

 Montenegro                            Kapetan korvete, Kapetan fregate

 Portugal                                  Capitão-tenente, Capitão de fragata

 Alemania                                Korvetten­kapitän, Fregatten­kapitän

 Eslovenia                                Kapitan korvete, Kapitan fregate

 

11.-   Las capacidades de estos buques son altas, dotados de alta tecnología: misiles superficie-aire, antibuques, antisubmarinos,  superficie-superficie, tienen capacidad  portahelicoptero… son por tanto buques sofisticados y caros. Por ejemplo la fragata Cristóbal Colón (F-105) española tiene el desplazamiento de 6.300 t y para la OTAN es calificada como destructor, aunque su desplazamiento sería similar a la clase de cruceros Dido de la Royal Navy usado durante la II GM.  Una ponderación de las capacidades y versatilidad de la F-105  la hace notablemente superiores al  rol de cualquier crucero de la IIGM.

martes, 19 de octubre de 2021

Una Historia Racial: del Blues al Rock

 

1.- ORIGENES DE UNA MÚSICA AFROAMERICANA

La música popular de los EEUU, de la primera mitad del siglo XX, estará marcada por las influencias africanas de los descendientes de los esclavos. El resultado más genuino será una música sencilla, llamada blues que empezó siendo un canto triste(1) al que se le acompañó de una simple guitarra o armónica. Fruto del desarraigo, en oposición a la música popular o folclórica, tendrá vocación itinerante siendo la semilla de una humilde pero revolucionaria expresión individual, libertina, apartada de convencionalismos sociales, presente en la formación de las principales corrientes musicales del siglo XX que adquieren el estatus de universales como el jazz, el soul y el rock(2).


Jitterbugging en un juke en Clarksdale, Delta del Mississippi. "Jitterbug" es un baile rápido acompañado por banda de jazz.


El blues nace de la situación terrible de marginalidad del liberto del sur. Sin una sólida formación musical, los primeros bluesman eran vagabundos de su región, ganándose la vida frecuentemente de garito en garito para una audiencia afroamericana. No obstante, habrá una visión peyorativa de esta música, dentro de la misma comunidad negra, por el estilo de vida e incluso por las letras provocadoras y desvergonzadas para aquellos que fueron educados en los cantos de alabanza cristianos del góspel.  La mala fama de una música pagana de ambientes de borrachos y prostitutas probablemente se engrandeció con la leyenda de Robert Johnson(3), bluesman del Delta, autodidacta que moriría con sólo 27 años, en 1938, del que se decía que vendió el alma al diablo a cambio de aprender a tocar la guitarra de forma magistral.

Curley Weaver


No obstante, dejemos claro que esta marca negativa ha sido fruto de la generalización y polarización tan frecuente en nuestra sociedad que tiende siempre a distorsionar la realidad de forma maniquea. Algunos de los primeros bluesman cantaban canciones de contenido moral elevado, como el caso de Blind Willie Johnson que quería,  ya de niño, ser músico y predicador cuando a raíz de las disputas entre sus padres quedó ciego a los 7 años(4), consiguiendo gran aceptación popular durante toda su carrera a pesar del contenido religioso de sus canciones pues estaba convencido de que el blues era un camino  para llevar la "palabra de Dios".

No cabe duda de que la mala imagen del blues, en sus inicios, está implícita en la marginalidad en la que se genera, aunque ello abriría aun más las puertas de su creatividad al quedar fuera de las rígidas normas sociales.

Naturalmente la música traspasa todo tipo de fronteras y, con el nacimiento de la industria musical, los diferentes estilos se dan a conocer entre sí y llega a las comunidades blancas. También en algunas de las formas de blues hay influencias de otros géneros de origen europeo, como  en la zona de los Apalaches, donde la comunidad hillbilly, descendiente principalmente de escoceses, también había quedado de alguna forma automarginada al evitar la mezcla con nuevos emigrantes europeos, conservando antiguas tradiciones musicales. Se dice que aquí nace el country bajo una influencia recíproca con el blues, hasta tal punto que en aquellos inicios country podía significar igualmente música de negros o blancos(5). Es la segregación racial la que separa la música según fuese dirigida a uno u otro colectivo.

El panorama músical en el que se desarrolla el blues es complejo. Las condiciones sociales no son las mismas en la zona del Delta(6), donde los afroamericanos tenían quizá más marginalidad, que en la Nueva Orleans cosmopolita con mezcla racial desde la dominación francesa y española, dando pie a una música más compleja y elegante como el jazz;  o en la zona de los Apalaches, donde podían entrar  en contacto con la emotividad musical de las minorías emigrantes escocesas o irlandesas que generarán el bluegrass.

Blind Lemon Jefferson en 1926 


2. Rhythm and Blues

La música popular del siglo XX, generación tras generación, está caracterizada por la vitalidad de la juventud, lo que se traduce en música alegre y bailable. Esto es más patente en una nación tan pujante como la norteamericana que, además, queda libre en su territorio de los horrores de las grandes guerras.

Por cuestiones distintas, principalmente comerciales, la música es etiquetada (aun hoy día) por aspectos no musicales. Muchas veces se corresponden solamente a un determinado look. Imaginemos entonces el contexto de segregación racial de los años 40-50. Es entendible que hubiese una separación forzada por cierta artificialidad entre la música dirigida a negros y blancos. Así es que triunfa una música juvenil  generalista derivada del jazz para blancos, mientras su correspondiente negra se la etiquetará como rhythm and blues. No debemos de confundir el significado musical actual de esta etiqueta con su uso entonces, salvo en el contexto racial. Originalmente el rhythm and blues iba dirigida a un público marginado, quizá por ello fuese más acelerada o alocada, siendo así que la sociedad blanca continuará señalando a esta música de un contenido peyorativo inmoral. Sin embargo, como música de baile, el ritmo va calando cada vez más entre la juventud blanca hasta convertirse, durante los primeros años de la década, en la preferida por la mayoría.

Las circunstancias del mercado van a suponer una autentica revolución musical. En primer lugar por el abaratamiento de los discos de vinilo de 45 rpm (singles) que hará que las ventas de este formato se dispare entre los adolescentes, y triunfen los programas de radio, donde los pinchadiscos tendrán  una gran influencia entre la juventud, de tal forma que el negocio termina rompiendo las barreras de la segregación racial. Así, cada vez son más los grupos o cantantes blancos que imitan esta música, mezclado con el jazz y sobre todo con el country. Estamos ante el nacimiento del rock 'n' roll.

2.- El triunfo del rock 'n' roll

Parece que fue el locutor Alan Freed quien popularizó el término rock and roll en el año 1955. Aquella música era claramente trasversal entre los recientes estilos derivados del blues: como el blues eléctrico derivado de la introducción de la guitarra eléctrica, el Chicago blues dotado de una mayor instrumentación, o el uso principal del piano como en el boogie-woogie, contando además con una clara influencia del folk de los Apalaches (country o hillbilly).

Chuck Berry en 1965

El primer referente es Elvis, del que se ha dicho que comentó que, en un principio, no pensó que cantara algo distinto al country. Lo cierto es que la música de Elvis no  podía esconder la influencia de la música racial, abriéndose así las puertas a otros intérpretes afroamericanos. El apogeo del estilo llega con Chuck Berry, Little Richards, Jerry Lee Lewis y Buddy Holly, principalmente. La muerte prematura de este último, según lo que se escribió posteriormente, supondrá un duro golpe para esta música: "El día que murió la música". En realidad se dan un conjunto de circunstancias en contra de la nueva música como la persecución del gobierno americano al rock and roll(7) por entender que la nueva música atacaba a la moral y podía ser peligrosa al animar a la rebeldía de los jóvenes. La presión, parece que lleva a Little Richard a retirarse a la vida religiosa. Por otra parte, Jerry Lee Lewis queda tocado por el escándalo, mientras Chuck Berry entra en prisión y Elvis se retira provisionalmente por el servicio militar. Todo esto creará un relativo vacío que aprovechará la ola británica posteriormente.


3. El rock

La muerte de Buddy Holly, con sólo 22 años, probablemente estuvo magnificada por ser en ese momento el mayor referente blanco del futuro Rock and Roll. Y es que todo el desarrollo de la música americana que conduce finalmente al Rock ha estado marcado por el prejuicio racial(8). Se entiende mejor así la decisiva contribución de los músicos británicos al reintroducir el blues en el rock and roll.

Buddy Holly 


En los primeros 60 el rock and roll es, ante todo, una música alegre y bailable (por ejemplo el twist). En Inglaterra tiene su propio estilo llamado beat, del que nacerá el grupo más influente de esta década: los Beatles. La importancia de los Beatles es total, tanto que cambió el panorama musical en los EE.UU. al abrir el desembarco de la llamada "Invasión británica".

The Beatles en 1965

Sin embargo esta música fresca y alegre, nacida en Inglaterra, tiene un contrapunto en grupos como los Yardbirds o artistas como Eric Clapton que tocan blues. Esto supone la re-entrada del blues (británico) en la música popular para abrir aún más la nueva música a otros estilos nuevos, creando el complejo que se llamará simplemente música Rock.

Se cierra de esta forma el largo ciclo del blues y una nueva música abierta a todo tipo de influencias, cuando una serie de músicos británicos rescatan la música de algunos conocidos bluesman negros en gran medida olvidados y la mezclan con el rock and roll y todo tipo de influencias. Grupos como Moody Blues, Pink Floyd o The Rolling Stones, tienen nombres que rinden tributo a sus referentes. Además de abrir el horizonte musical, siendo vanguardia de ello cada disco de los Beatles, el rock será un referente cultural de primer nivel para la expresión de la rebeldía e inconformismo de la juventud por varias generaciones hasta la actualidad.

 

4.- Breve repaso a la influencia afroamericana en la música contemporánea

 Aunque el Rock es el motivo principal de este repaso, quiero recordar que la música europea u occidental, de comienzos del siglo XX, puede separarse en la música  folclórica (o local) y una clásica (o universal). Ambas músicas se van a encontrar en el siglo XIX por el nacionalismo -o más ampliamente por la corriente artística denominada  romanticismo-. Uno de estos compositores es el checo Antonín Dvořák que compuso en el año 1893, mientras trabajaba en los Estados Unidos, su Sinfonía n.º 9 en mi menor Op. 95, popularmente conocida como “Del Nuevo Mundo”. Aunque la obra musicalmente está fundamentada en los conceptos clásicos, Leonard Bernstein afirmó que la 9º Sinfonía era realmente multirracial en sus bases. Más que por esta apreciación circunstancial, tiene sentido mencionar a este compositor extranjero, que poco antes de su llegada a Norteamérica debía desconocer totalmente la música afroamericana, pues revela una sensibilidad y clarividencia notables(9). A su llegada a Estados Unidos declaró:

"Estoy convencido de que el futuro de la música en este país debe basarse en lo que se llama “negro melodies”. Estas pueden ser el fundamento de una escuela seria y original de composición, a desarrollar en los Estados Unidos. Estos hermosos y variados temas son producto de la tierra. Son las canciones folclóricas de Estados Unidos y los compositores estadounidenses deben recurrir a ellas."

Si la música de principios del siglo XX va a acercar la música clásica y el folclore, la reacción académica posterior va a romper con todo lo tradicional con el movimiento "avant garde". Separando a la música culta de la popular, y fomentando las nuevas músicas emergentes como el jazz o el rock pero, aún más, las mezclas entre todo tipo de músicas o influencias incluida la música clásica tradicional y las llamadas músicas del mundo o étnicas. Se abre así un vasto campo musical sin una clara linde entre la música orquestal o clásica, como ocurre con la música llamada "new age", la “world music”, las bandas sonoras de películas, videojuegos, etc.

Dvořák 

Esta apertura a las nuevas músicas estaba lejos de apreciarse en la sociedad americana de principios del siglo pasado,  a pesar de Dvořák  y de una incipiente aunque  importante industria musical. No debería sorprendernos si entendemos el contexto histórico. Ya desde finales del siglo XIX el vaudeville presentaba interpretaciones de actores blancos con la cara cubierta de betún haciendo el papel de negros, en los que se alimentaba  el estereotipo de la música negra como rústica y sin valor cultural.

Las primeras grabaciones de lo que se etiquetó como "música de raza" llegaron en 1917 cuando se grabó en Nueva York a la Original Dixieland Jazz Band, una agrupación de criollos (blancos) de la ciudad de Nueva Orleans.

Curiosamente las primeras grabaciones de blues se realizaron a mujeres como Mamie Smith que tuvieron cierto reconocimiento. ¿Acaso el motivo fuese que la imagen femenina suavizaba el mal concepto del blues?

Big Mama Thornton, una de las primeras blueswoman 

Blind Lemon Jefferson, un cantante ciego de Dallas sería el primero en obtener celebridad. Grabó por primera vez a principios de 1926, dicen que fue el dueño de una tienda de discos el que le vio tocando en una calle de Dallas y organizó todo para enviarlo a grabar a Chicago.

Estas primeras grabaciones llegaron a Europa, y al contrario de lo que se pensaba en su propia tierra americana, los discos raciales de blues y jazz fueron rápidamente bien valorados por los círculos intelectuales y músicos jóvenes europeos. Se iría así fraguando lo que posteriormente sería el desarrollo del Rock.

4.1 Precursores del Rock and Roll

Durante al menos las dos primeras décadas de la industria discográfica la música de los negros quedó fuera del negocio de la música grabada. No parecía rentable al estimarse que sólo interesaría a una comunidad negra con bajos recursos, esto a pesar del jazz de Nueva Orleans y la presencia del blues encarnado en personajes que vagaban a lo largo y ancho del inmenso sureste de los Estados Unidos.

Precisamente Nueva Orleans, como cuna del jazz, será muy importante para el nacimiento posterior del rock 'n' roll. Se conoce bastante el origen del jazz y las causas que motivaron su creación. A finales del siglo XIX y luego, durante principios del siglo XX, Nueva Orleans fue la ciudad más cosmopolita de los Estados Unidos gracias a sus raíces mestizas pero igualmente por el intercambio de su puerto. Ello va a crear unas condiciones favorables para el negocio de la diversión moralmente relajada, principalmente casinos para el juego y la prostitución, que serán referentes de una determinada zona de la ciudad delimitada convenientemente por la administración local.

Como parte del entretenimiento se requiere de músicos que amenicen el ambiente. Podemos imaginarnos que serian ritmos alegres los que se tocarían traídos de aquí y allí, una mezcla de marchas, ragtime (música asincopada a piano), ritmos de los Apalaches e incluso ritmos afrocubanos. La unión de todo ello generará lo que se denominará posteriormente jazz, que parece ser una contracción de "jasmine" que sería el perfume predominante entre las trabajadoras del sexo.

Dave Bartholomew 

En este crisol musical estaba ya presente el blues, que también recibirá influencias exteriores. Así Gerhard Kubik señala que, los primeros blues carecían de polirritmos complejos, y había una ausencia muy específica de patrones de línea de tiempo asimétricos en prácticamente toda la música afroamericana de principios del siglo XX con la excepción de algunos géneros de Nueva Orleans. De esta influencia se señala la  música afrocubana, incluso en el mismo nacimiento del Rithm and Blues que, a finales de la década de 1940, toma el patrón rítmico cubano llamado “tresillo” por algunos músicos de Nueva Orleans. El precursor parece ser Dave Bartholomew, músico y productor que recordaría haber escuchado por primera vez este patrón de bajo en un disco cubano (“son cubano”, aunque entonces él y otros lo llaman inapropiadamente “rumba”). En su primer gran éxito 'The Fat Man' de 1949, se le ocurrió superponer el tresillo sobre el ritmo del swing hasta hacerlo más pesado al tocarse por el bajo de cuerda, una guitarra eléctrica y un barítono todo al unísono. Convirtiéndose en seña del rock 'n' roll de la década de 1950 a partir de las grabaciones de Fats Domino(10) y Little Richard dentro del ritmo del piano, bajo, guitarra eléctrica y saxofón.

Fats Domino en 1956

Por tanto, en 1949 algunos temas de éxito ya podrían considerarse rock and roll  como el ya referido tema  'The Fat Man' que alcanzó la lista Top R&B and country hits on record 1949 interpretado por Fats Domino pero coescrita por este músico y Bartholomew. En años posteriores se suceden los éxitos de Domino con su repetitivo uso rítmico de la mano izquierda del piano (boogie-woogie) para hacer de una base musical blues algo alegre y bailable.

Otros éxitos dentro del “Top R&B and country hits on record” precursores del Rock and Roll son (Fuente Wikipedia):

1951  Rocket 88 – Jackie Brenston & His Delta Cats

1952:

5,10,15 hours– Ruth Brown

"Daddy Daddy" – Ruth Brown

"Hound Dog" – Big Mama Thornton ( versioneado por Elvis Presley en 1956)

"Juke" – Little Walter

 

1953:

Please Don't Leave Me - Fats Domino

1954:

"Shake Rattle And Roll" – Big Joe Turner

"Work With Me, Annie" – Hank Ballard & the Midnighters

A partir de 1955 se etiqueta la nueva música como Rock and Roll y aparece “Rock Around the Clock" de Bill Haley & His Comets, como nº 2 en el Billboard year-end top singles (Fuente Wikipedia).

A partir de este año las listas Billboard quedan copadas por esta música, siendo mayoritariamente blancos, domina sobradamente Elvis. También aparecen Gene Vincent, Carl Perkins y Bill Haley & His Comets. De entre los afroamericanos únicamente entran Fats Domino (que ya era un clásico de las listas R&B)  y Little Richard. Al año siguiente entra en la lista Chuck Berry(11), probablemente el músico más influyente de esta nueva música.

Billboard year-end top singles of  1956:

1 "Heartbreak Hotel" Elvis Presley

2 "Don't Be Cruel" Elvis Presley

8 "Hound Dog" Elvis Presley

14 "I Want You, I Need You, I Love You" Elvis Presley

15 "Love Me Tender" Elvis Presley

18 "Blue Suede Shoes" Carl Perkins

25 "I'm in Love Again" Fats Domino

27 "Be-Bop-A-Lula" Gene Vincent

33 "See You Later Alligator" Bill Haley & His Comets

41 "Blueberry Hill" Fats Domino

45 "Long Tall Sally" Little Richard

 

Billboard year-end top singles of 1957:

 

1 "All Shook Up" Elvis Presley

9 "Too Much" Elvis Presley

11 "Bye Bye Love" The Everly Brothers

14 "Teddy Bear" Elvis Presley

16 "Jailhouse Rock" Elvis Presley

19 "Wake Up Little Susie" The Everly Brothers

22 "School Days" Chuck Berry

28 "Whole Lotta Shakin' Goin On" Jerry Lee Lewis

38 "I'm Walkin'" Fats Domino

42 "Be-Bop Baby" Ricky Nelson

48 "Blueberry Hill" Fats Domino

50 "Blue Monday" Fats Domino

 

Billboard year-end top singles of 1958:

 

2 "All I Have to Do Is Dream" / "Claudette" The Everly Brothers

3 "Don't" / "I Beg of You" Elvis Presley

13 "Bird Dog" / "Devoted to You" The Everly Brothers

22 "Wear My Ring Around Your Neck" / "Doncha' Think It's Time" Elvis Presley

28 "Tom Dooley" The Kingston Trio

29 "Sweet Little Sixteen" Chuck Berry

36 "Great Balls of Fire" Jerry Lee Lewis

49 "Hard Headed Woman" / "Don't Ask Me Why" Elvis Presley

50 "Peggy Sue" Buddy Holly

 

Los próximos años serán de una cierta moderación del rock and roll tras la salida en escena por distintos motivos de los cantantes más provocadores y agresivos: Little Richard, Chuck Berry y Jerry Lee Lewis. Además mueren en accidente de aviación Buddy Holly y Ritchie Valens. Todo ello, unido al alejamiento de Elvis por el servicio militar, creará un espacio para la futura invasión británica.

Desde 1959 al 1963, el bonachón Fats Domino seguirá presente en las listas junto a Elvis que no deja de vender. Pero entran nuevos músicos de los que habría que destacar el suave rock and roll de The Everly Brothers, uno de los grupos más exitosos de aquellos años. Precisamente el otro afromericano que triunfa es Chubby Checker, otra cara amable con estilo similar a Domino, del que parece toma nombre (realmente se llama Ernest Evans, la referencia es que Chubby es gordito y Checkers es el juego de las damas).

Como curiosidad, tenemos The Isley Brothers  con "Twist and Shout" como uno de los pocos  afroamericanos que aparecen en Billboard.  Este tema originalmente grabado por The Top Note, será luego un éxito mundial por The Beatles.  El patrón de su armonía, melodía y ritmo estaba inspirado en las progresiones armónicas de las canciones latinas, con un precedente exitosos que fue la canción tradicional mexicana «La bamba» que había popularizado en Estados Unidos el cantante Ritchie Valens en 1958.

Como premonitorio al primer estilo Beatles,  tenemos finalmente abriendo paso  The Beach Boys que pasan de ocupar el último puesto (el 100)  en su primera aparición en 1962 a ser  al año siguiente el nº1 con "Surfin' U.S.A."

Fuente wikipedia. Billboard year-end top singles of 1963

1 "Surfin' U.S.A." The Beach Boys (que plagia de Sweet Litte Sixteen de Chuck Berry de 1958)

58 "(You're the) Devil in Disguise" Elvis Presley

86 "Shut Down" The Beach Boys

98 "Twenty Miles" Chubby Checker

The Dave Clark Five con Ed_Sullivan (en el centro)


La entrada de The Beatles en 1964  será tan grandiosa como la de Elvis en 1956. Alcanzan el nº 1 con "I Want to Hold Your Hand", y  8 temas más entre los 100 (Elvis consiguió 6 de 50). Otros también británicos son:

The Dave Clark Five con:

  • 23        "Glad All Over"
  • 45        "Bits and Pieces"
  • 64        "Because"
  • 68        "Can't You See That She's Mine"
  • 91        "Do You Love Me"

 Gerry and the Pacemakers

  • 49        "Don't Let the Sun Catch You Crying"       
  • 89        "How Do You Do It?

Manfred Mann 15 "Do Wah Diddy Diddy" (Versión del grupo afroamericano The Exciters 1963)

The Animals 38         "The House of the Rising Sun"         

The Kinks 79 "You Really Got Me"

The Kinks en 1966
Según el musicólogo Joe Harrington, la entrada de esta  última parece transcendental en el desarrollo del hard rock y heavy metal, considerados sus primeros éxitos : «'You Really Got Me', 'All Day and All of the Night' y 'I Need You' predecesoras del género de tres acordes entero [...] The Kinks dio mucho apoyo de su parte para convertir el rock 'n' roll (Jerry Lee Lewis) en rock (Led ZeppelinBlack Sabbath)» (fuente Wikipedia).

The Yardbirds en 1965

En 1967 es de destacar como se inicia la psicodelia con Jefferson Airplane (nº 81 "White Rabbit"), una influencia soul y blues en algunos grupos como The Spencer Davis Group ( nº 68 "Gimme Some Lovin'") o  Procol Harum (nº38 "A Whiter Shade of Pale"), precursor del rock sinfónico. Ya se habían formado bandas tan influyentes para el rock progresivo como Genesis, Moody Blues y Pink Floyd.  Para el año 1968 se habían formado algunas de las bandas más influyentes del hard rock como Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath... Pero esto, es otra historia.

 

Comentarios:

(1) Las primeras referencias escritas recogidas de cantantes de blues dejan claro que la música la conciben como una vía de escape para superar el "blues" o la melancolia. El gran John Lee Hooker lo expresa así: “El blues no es una música triste, es una música para espantar la tristeza”. Ocurre que las escalas africanas y europeas no son iguales, la pentatónica africana no concibe la tercera y séptima notas de la escala, es decir, el fa y el si, como lo hace la europea diatónica, por lo tanto esas notas se cantaban con un aumento o descenso en el tono, generando esa sonoridad ambigua conocida como blue note, que se percibe tanto en el blues como en el jazz, dándole ese sonido característico que a los oídos de europeos y norteamericanos suena como triste.

(2) Músicos como Jhonson no tenían más escuela que la calle, si acaso se movían colándose en un tren de mercancías a localidades cercanas en busca de algún compañero que le enseñará como mejorar una técnica "expresiva" de la guitarra como los bend, vibrato o slide.  Así Johnson desapareció por unos pocos meses, algo habitual, en los que aprovechaba para aprender algo de otros músicos. Entonces no tenía fama de tocar bien la guitarra, mas bien al contrario, sin embargo, tras esta escapada sorprendió a los que le conocían por su maestría con la guitarra. El dijo que pasó una noche en un cruce de caminos donde le apareció el diablo, que afinó su guitarra y le ofreció el trato de enseñarle a tocar la guitarra a cambio de su alma, y él aceptó. Una de sus canciones titulada "Cross Roads", del que Eric Claptón realizó su propia versión, trata el asunto. Parece que murió tras aceptar beber en una actuación una botella que le ofrecieron, que resultó estar envenenada por un marido resentido.

Una de las técnicas del "slide guitar"


(3) Es necesario comprender la importancia que la música y el canto tenía para aquellas gentes de la costa occidental africana; representaba su forma más elevada de comunicación en comunidad, la que los unía con sus ancestros, sus tradiciones y religión. Despojados de toda otra muestra de su cultura, será su única vía  de reclamarse a si mismos.  La música es una seña de comunidad, como ocurre en todo lugar con la música folclórica; contrariamente a ello, y esta es una singularidad del blues, desde un primer momento escapa a este concepto al ser una expresión no de una comunidad, sino completamente individual. Resulta entonces curioso como el blues fue influyendo en otras músicas, llegando a todo el mundo pero sin perder su esencia africana hasta  la actualidad, ni siquiera con la aparición de la guitarra eléctrica, el cambio al entorno urbano en los años treinta o la irrupción del Rhythm and Blues y el rock.

(4) Según el relato de su mujer Angeline Johson a Samuel Charters: "Cuando Willie tenía siete años, su padre pegó a su madrastra al encontrarla con otro hombre; la madrastra cogió lejía y se la tiró a la cara del joven Willie". (fuente Wikipedia)

(5) Un ejemplo de estas influencias es el banjo. Éste se genera en esta zona a partir de un instrumento africano de construcción casera llamado halam o xalam  sencillamente construido con una calabaza seca con un mástil de madera y 5 cuerdas.

 (6) Los primeros maestros del blues que se recuerdan como Robert Johnson, Charley Patton, Walter Vincson, Son House o Tommy Johnson son oriundos de una pequeña región llamada el Delta, formada por unos pocos condados del noroeste del estado de Mississippi. La particularidad de la zona es que quedará con una densa población afroamericana sumida en la pobreza y especialmente aislada en la marginalidad.  No obstante es aquí en donde se fragua la imagen del cantante de blues vagabundo, alcohólico y mujeriego.  Este aislamiento fomentará el nacimiento del blues más genuino, derivado principalmente de las work songs y cantos holler. Pero  nada de lo anterior era blues, son cantos a capella, y el blues requiere de una música instrumental desconocida anteriormente dada la prohibición generalizada de hacer música en las plantaciones y por ende de disponer de instrumentos musicales (hubo temor a que los esclavos los usarán como medio para transmitirse mensajes que alentaran levantamientos). El canto holler realmente no es una canción tanto como una trasmisión de un mensaje en voz alta (sin espera de respuesta) esta forma de exaltación individual a la hora de entonar podría considerarse su aportación al blues. Al contrario, las canciones de trabajo son un canto comunal, con un formato de llamada (de uno) y respuesta (el resto). El parecido con el blues está en que la estructura externa de las estrofas es similar, tal que A-A-B, la llamada serian las dos estrofas primeras (A-A que se repiten) y la respuesta llega con la tercera (B).

 (7) En 1959 saltó el escándalo de la “payola”. Privilegiar unas canciones en la radio previo pago escondiendo este hecho. Esta práctica era habitual pero ilegal por las leyes federales (Ley de Comunicaciones de 1934, en sus apartados 317 y 507, obliga a las emisoras de radio y las cadenas de televisión informar a sus audiencias si el contenido se emite a cambio de contrapartidas). Sin embargo las acciones se concentraron en la difusión del rock 'n' roll por la influencia que tenían los programas de radio en las ventas de singles. Así, en su testimonio ante el Congreso de los Estados Unidos, Alan Freed, promotor de la nueva música, confesó haber aceptado payola, y fue arrestado y no consiguió trabajar más, muriendo en la pobreza en 1965.

(8) Pensemos un momento  en el significado que tiene el año  1939 para los europeos. Todo el sufrimiento por venir no se puede desvincular de los acontecimientos del pasado más reciente. Todos, salvo los españoles por desgracia, pudieron pasar página rápidamente. Y ese mundo nuevo estaba ahora marcado por la influencia norteamericana,  más abierto a lo que vendría después del otro lado del Atlántico. Pues es en ese año de 1939, cuando la cantante Billie Holiday se hizo famosa por su reto al sistema segregacionista del sur y de algunos sectores del norte, al cantar en un café integrado de Nueva York (esto es, en los que se permitía entrar a negros y blancos)  el tema “Strange Fruit” que dice así: “Los arboles del sur dan una fruta extraña, sangre en las hojas y sangre en las raíces, cuerpos negros balanceándose en la brisa sureña, extrañas frutas cuelgan en los álamos.”

Recogida del algodón en el Delta (Mississippi)


Este pasado reciente, en el que alcanzó popularidad la música afroamericana, ha de seguir vivo en la memoria, sin dejar que se diluya la realidad histórica transformada en un relato más asimilable para un contexto social distinto en el  arrogante país  que viene clamando por la democracia y los derechos humanos fuera de América; o para el partido Democrata, ahora reconvertido en progresista, pero que estuvo detrás de la creación del originario Ku Klux Klan, cuya segunda parte (desde 1915) se asimilaba totalmente con la ideología supremacista del nazismo alemán: antisemita y anticatólico,  posteriormente anticomunista.

(9) He leído varias biografías de Dvořák, en algunas de ellas se menciona que su familia era muy humilde y no pudo pagarle los estudios musicales por lo que tuvo que trabajar de matarife para pagarse algunas clases de violín. También que siempre fue un hombre modesto que no ocultó su origen en una época en la que aún estaban muy patentes las clases sociales. En toda su carrera musical tiene muestras de persona sensible por la gente humilde. En la biografía de  Wikipedía hay algunos ejemplos como cuando aceptó el cargo de director del Conservatorio Nacional de Nueva York, lo hizo con la condición de que los estudiantes nativos americanos y afroamericanos dotados de talento que no pudieran permitirse este nivel de instrucción, tenían que ser admitidos gratuitamente (este fue un primer ejemplo de ayuda financiera basada en la necesidad, lo que en los Estados Unidos recibe el nombre de "need-based financial aid").

Uno de estos afroamericanos que sería posteriormente un importante compositor es Harry Burleigh, trabando amistad ambos.  Dvořák enseñó a Burleigh composición y, a cambio, Burleigh pasaba horas cantando los espirituales americanos tradicionales para Dvořák.

(10) Fats Domino, nacido en Nueva Orleans en 1928 como Antoine Domino Jr., fue  el cantante negro que más discos vendió durante los años 1950 y comienzo de los años 1960. Con una formación musical dentro del jazz, será considerado como el padre original del Rock and roll, con su primer éxito «The Fat Man», que compuso junto con Dave Bartholomew.

Su estilo boogie-woogie característico a su piano sería ridiculizado por los críticos por su sencillez,  pero influiría grandemente en el desarrollo posterior de la música de baile derivada del R&B y que luego se llamaría  Rock and roll.

Contrariamente a la imagen rebelde, alocada y agresiva de algunos de los primeros interpretes de la nueva música, Domino tenía una personalidad afable y una forma de cantar  elegante y suave.

 (11) Charles Edward Anderson Berry, nació el 18 de octubre de 1926 en Saint Louis. Había aprendido a tocar jazz con la guitarra, y tocaba en bares, donde conoció al cantante de blues Muddy Waters. En 1955 grabó su primera canción, 'Maybellene', con gran éxito y luego 'Thirty Days', 'No Money Down' y 'Roll over Beethoven' (1956), 'School Days' y 'Rock and Roll Music' en 1957, 'Sweet Little Sixteen', 'Carol' y 'Johnny B. Goode' en 1958, 'Little Queenie', 'Memphis Tennessee' y 'Back in the USA' en 1959.

La forma de tocar su guitarra, sus movimientos sobre el escenario y la temática de sus canciones conectaron desde el primer momento con los adolescentes. Tan sólo Elvis había fascinado así a la juventud blanca. Desgraciadamente su carrera se vio frenada en 1961 tras pasar dos años en la cárcel, sentenciado por haber llevado en su coche a una menor de edad, apache, a la que detuvieron por ejercer la prostitución.

Sin embargo sus temas ya eran un referente para Rolling Stones o los Beatles que hicieron numerosas versiones. Así el primer single de los Stones 'Come On' de 1963, era un tema suyo,  también grabaron 'Around and Around', 'Carol' y 'Little Queenie'. Por su parte, los de Liverpool, versionaron quince canciones de Chuck Berry.

Otros músicos que versionaron canciones de Chuck Berry Berry: los Yarbids, con Eric Clapton a la guitarra en Monkey Business, Nina Simone (Brown Eyed Handsome Man), Jimmy Hendrix (Johnny B. Goode) o AC/DC (School Days).


Nota: Todas las imágenes proceden de Wikicommons

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